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摄影知识-第9部分
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第五招
在允许的条件下减小照片的尺寸，降低质量和提高压缩比，这也是提高拍摄速度，减少拍摄延时的一个很好方法，这比较适合拍摄像素较低用于网络浏览的动态照片。
也可以利用数码相式的连拍功能，在短时间内连续拍摄多张照片，将运动物体连续记录下来，最后从多幅照片中挑选出一张拍到的精彩瞬间。不过，在选择连拍模式时，我们也要付出一些时间作为代价，因为相机还要用更多的时间将暂存在高速缓存上的数据写入存储卡中，对我们来说再次按下快门的时间则是更长时间的等待，也就是拍摄延时现象更觉明显了。
第六招
以上方法在一定程度上可缓解“快门时滞”所带来的遗憾。
在选择数码相机时，我们在根据自身需要定位后，除了快门时滞和存储时间等有关参数应该引起重视，还应该注意从打开电源到实际能够拍摄的所需要的时间〔也称相机起动时间〕等指标。大多数民用级相机的说明书或规格表上，对这几项指标不作详细的公布，是有意的回避还是不慎的失误，我们不作评论。反正，在实际使用中，这几项指标严重影响着相机的响应速度，尤其是在对运动场面进行连续抓拍时，这种影响更为显著。
小贴士
何为数码相机时滞？
数码相机时滞包括对焦时间、快门时滞和存储时间，对焦时间是指采用自动对焦的相机，自动对焦所需时间。这个时间耽搁无论是传统胶片相机还是数码相机都存在，所以并不能算是数码相机特有的。
快门时滞是指从按下快门释放按钮到开始曝光中间的这段时间，其实也就是按动快门到能够实际拍摄的时间。传统相机因机械运动需要时间，也有快门时滞，通常说大约是0。05秒，传统相机上可以忽略的快门时滞，到数码相机这里却成了一个通病，相对传统相机来说，数码相机不仅有着机械运动需要的时间，更多了光信号转换成电信号（摸拟信号），电信号再转换成数据的过程。尽管光电转换的时间很短，但数据处理速度受相机所采用的中央处理器速度的影响。如果使用液晶屏取景，则时滞就会更大，因为影像通过镜头、CCD及软件处理之后反映在液晶取景屏上也需要一定时间。所以，快门时滞是影响数码相机时滞的一个主要因素。
存储时间是指拍摄一张照片后，数码相机向存储卡传输数据的时间，这也是数码相机所特有的现象。不过，目前某些高端的数码相机采用缓存的方式基本解决了这个问题，但一般民用数码相机的存储时间还是影响数码相机时滞的一个方面。
美化人物姿态的要领
陈文襄
在拍人物全身照或大半身照时，被摄者的姿势及造型十分重要。要使被摄者的姿势优美，须掌握下面几个要诀：
1．头部和身体忌成一条直线。两者如成直线，难免有呆板之感。因此，当身体正面朝向镜头时，头部应该稍微向左或向右转一些，照片就会显得优雅而生动；同样道理，当被摄者眼睛正视镜头时，让身体转成一定的角度，会使画面显得有生气和动势，并能增加立体感。
2．双臂和双腿忌平行。无论被摄者是持坐姿或站姿，千万不要让其双臂或双腿呈平行状，因为这样会让人有僵硬、机械之感。妥当的做法可以是一直一曲或两者构成一定的角度。这样，就能既造成动感，姿势又富于变化。
3．尽量让体形曲线分明。对于女性被摄者来说，表现其富于魅力的曲线是很有必要的。通常的做法是让人物的一条腿实际上支撑全身的重量，另一条腿稍微抬高些并靠着那一条站立的腿，臂部要转过去，以显示其最窄的一面，胸部则通过腰部的弯曲，尽量地显示其高耸和丰腴感。同时，人物的一只手可摆在臀部，以便给画面提供必要的宽度
4．坐姿忌陷。表现被摄者坐姿时，不要让其像平常一样将整个身体坐进椅子。如果这样，她的大腿会呈休息的状态，以至于腿上端多脂肪的部分隆起，使大腿显得很粗笨。正确做法是让其将身体向前移，靠近椅边坐着，并保持挺胸收腹，这样可避免肩垂肚凸现象。
5．镜头宜远不宜近。一般来说，拍人物照，距离远些总比近些好。因为当镜头（尤其是短焦距的镜头）离被摄者很近时，会出现畸形现象。因此，摄影时应选择合适焦距的镜头，并让镜头与人物保持一定的距离。根据实践我们得知若使用标准镜头拍人物头像，最佳距离在6—8英尺之间；拍胸像则在8—9英尺之间；拍全身像，以（13—22英尺之间为宜。此外，让被摄者的手和脚紧靠着．身体，有助于避免畸形现象的发生，而一旦当它们离身体前后18英寸以上，就会显得比例失调，手、脚会变得过大或过小。
6．表现好手姿。被摄者的手在画面中比例不大，但若摆放不当，将会破坏画面的整体美。拍摄时要注意手部的完整，不要使之产生变形、折断、残缺的感觉。如手叉腰或放进口袋里时，要露出部分手指，以免给人以截断的印象。
摄影构图体会
寻枪
（1）黑白灰
无论彩色片还是单色片，都具有层次（黑白灰），在色彩中一般红色、紫色、深蓝明度低，感觉重，黄色、浅绿等色明度高，感觉轻。有些片子感觉沉闷，就是层次没拉！一张片，要有一处“白”来透气，要有一处“黑”来点睛。
2）点、线、面
一张片子，不管内容多么复杂或简单，它内在的构图要素还是点、线、面。
点线面是相对的，小的面可称为点，宽的线也可称为面。一张片，不能全是点，那就叫一地芝麻！不能全是线，那是斑马！不能全是面，那叫有眼无神。最好点线面都具备，线与线最好不要垂直相交。（那有种机械感）
我们并不是追求点线面为目的，说穿了，点线面，就是在讲究画面内容形状的处理，避免形状的雷同。
通常、天空、地面、水面、房屋顶、墙壁等可以称为面；路、树干、水纹、建筑物的边等可以称为线；远处的人、近景中的几片叶、小的窗户、灯、云朵等，可称为点。
（3）光线
光线…色彩之母，没有好的光线，一切景物都是死的！！很多朋友容易忽视这一点。比如有一位青岛朋友拍的教堂，看得出花了功夫，长焦广角都用上了，但说实话，效果一般，还属于生活照，到此为一游，为什么？就是不注意选择光线。我们平时看电影，一看到下雨刮风就会想到一场悲剧要上演，特别是一些香港电影中，在一些紧张情节的用光上，简直夸张到了无以复加的地步，比如晚上毒品交易，一条长街道，街道尽头一盏巨大的蓝色背景灯，一人影或一线车从背景中出来，长焦，有用军用望远镜看的那种感觉，有时为营造效果，还得放一些烟雾。在一些衔接镜头的处理上，也很夸张，“嘎”的一声，车停，
门开，一双铮亮的皮鞋，逆光，长长的脚影……还有，仓库的排气扇不停的转，一道道的光影……这些用光的表现手法虽然粗俗，但这是最好的教材。
（4）透视
透视——近大远小的视觉规律，还包括：近高远低，近长远短，近实远虚，近处色彩鲜艳，远处色彩变淡变浅变灰。
透视是表现空间感的有力手段！通常广角透视夸张，空间、立体感得到强化；长焦则压缩透视，前后物体贴得紧，空间感不强。（我们有时也把这种强列的透视变化称为视觉冲击力，但不是全部）
5）色彩
色彩——不仅仅指颜色，还是一种感受，一种比较，一种心理，一种修养。
可以这样分类：明度，纯度，色相，对比色，调和色，冷色，暖色，环境色，光源光，补色，视神经，色彩的联想，色彩的重量……太多了，讲不完，讲几条主要的。
色彩的联想：
红色：代表激情，精力充足，残暴
蓝色：高贵，冷淡，伤感，忧郁，沉静，懦弱……
黄色：天真，活泼，明朗……
绿色：希望，和平……
紫色：高贵，高雅，不稳定，神经质……
橙色：热情，外向，低档……
白色：（和黑色一样，严格的说不算颜色）纯洁，做作……
黑色：死亡，消极、神秘……
视神经：举个例子，眼睛盯着一张红纸一段时间，红纸移开，眼前会出现一片绿色，为什么？视神经的调节现象。
补色：就是最相反的颜色（教科书上说的是色轮中对立的颜色）与人的感受有关，比如，红与绿，黄与紫，蓝与橙……（应为红与青、黄与蓝、天蓝与橙——编者注）
冷色：青、蓝、紫等象征冰和海水的颜色……
暖色：红、橙、黄等象征火焰的颜色……
对比色：色相上差别大的颜色：红与蓝，蓝与黄，橙与绿，白与黑……
调和色…类似色…临近色：色相，明度上比较接近的颜色：红与紫，蓝与紫，黄与橙，黄与绿，绿与蓝，黄与白，橙与红……
光源光：主要指光源的冷暖。
环境色：色彩与色彩间的相互影响。以一个放在窗台上的红苹果为例：阴天，光源色是冷的，苹果的受光部可能变为带冷色的品红，背光部可能受环境色的影响而呈带暖灰的大红、蘸红色；晴天，则相反，所以说色彩不是孤立的固有色，而是受光源、环境影响的复合色！！！
色彩的轻重：色彩有重量。红、蓝、黑、深紫、深绿属重量级；黄、粉红，浅绿，淡紫属轻量级。
（6）质感与视觉心理
质感、视觉心理——（风马牛不相及的事，放在一起讲算了）
人的眼睛对什么亮度最觉舒适？
好像还没有谁研究过，不过肯定不是纯白或纯黑！就像我们的房子室内装修一样，我们现在一般不会用纯白色来涂墙壁，那样太刺眼，不柔和。
人的眼睛对什么色比较觉舒适？
有人马上会说：我喜欢蓝色、我喜欢红色……这只是性格决定对色彩的偏向，先把它放一边。我想，太灰，太纯的颜色对人的眼睛都不合适。整体而言，浅灰色是令人舒服的，但有时也需要有对比，比如说你喜欢吃牛肉，但不能餐餐吃牛肉；你喜欢红玫瑰，但又讨厌到处都是玫瑰红。当然，有人喜欢强烈对比，喜欢刺激，喜欢红衣服绿背景，这……这……有点俗。
人的眼睛还有一些不喜欢：不喜欢抬头看太阳，不喜欢某些时候的逆光，不喜欢太光滑，太人造的东西……（说到质感上来了）
质感——人的手也好，眼睛也好，都喜欢触摸令人愉快的东西，这可能就是质感吧。大自然中的一些东西，如水、石头，原木、沙滩，以及一些人造的东西，如丝绸、麻料、打火机、斑驳的旧墙，婴儿的脸……总是令人愉快的。是它们的质地使人愉快，没有社会原因，就象男人爱女人，是天性……
（7）摄影的特征
我不能理解一些老玩家玩大型机器，好像很懂套路，什么区域曝光了，什么解像力了，什么颗粒了（职业需要的例外），那不是摄影，那只是玩过程，他们与工匠没区别！
那么，摄影是什么呢？——我们应该跳出这个圈子，横向比较：摄影、绘画、雕塑、电影电视、都是一门视觉艺术，各自具有鲜明的特点，摄影的特点应该可以理解为，时间、空间、瞬间，（有人干脆说是瞬间的艺术）这是摄影的灵魂！
摄影作品应该具有一种味道，一种照片味。（这里面应该包含一些元素：颗粒感、质感、瞬间的凝固……）
有些人对摄影走进了种种误区，就是把根本的目的忘了，而把一些技术手段当成了最终目的！比如，以单纯追求层次细节为美（那些玩大型机的最讲究这个了），以追求景物本身的美为美（千里迢迢出门，就算拍回了几张精致的明信片又怎么样？）；比如以追求光线氛围为美；以追求质感为美；还有的干脆以各种焦段带来新鲜的视觉感受为美……这些都是辅助手段，是一盘菜中放的调料。
如果有人说：这片拍得好啊，像一幅水墨画。那么这不是一张很成功的照片。
如果有人说：这画画得好啊，像一张照片。那也肯定不是一幅好画。
画有画的味：画画讲究笔触，讲究过程，讲究写意，讲究似是而非……特别是写意国画。
我在想，时代在发展，相机的功能也在逐步变化，从一种非常严肃的记录工具，变为一种创作工具吧。就像绘画，由最初的留影写实功能变为纯艺术，因为相机的出现，使最高明的画家也比不上最低劣的相机。而摄像机、电影电视的出现，使相机的作用又发生一些微妙的变化。相机可能介于绘画、摄像之间，这个位不好定。
有些人喜欢拍组照，一些大师们评片时总喜欢说：不错，如果拍成一个系列可能更好。我不这么认为，这是过份强调了相机的功能，拍组照，还不如拍电影记录片，因为电影更适合。
单张、经典——正是摄影的魅力。（传世作品中，组照比例极少。）
（8）黄金分割
黄金分割、画面中一个点与周边块面的关系。
我们平常说的黄金比，即0。618的比例，大约处在1/3的位置上，据说是从维纳斯雕塑中发现这一美的规律，不是说处在这个点上的东西就美，而是指处于这个点上，整体就协调，很舒服。数字1…10中，7是最有品位的，因为它正处于黄金比上。
有人认为黄金比是小儿科，用多了，就时不时玩一把正中的、对称的“破常规”构图，这很肤浅！最近我在想，黄金比绝不仅仅是把人或物体安排在画面1/3处这么简单！绝不是一条线中某个点的位置！——它是全方位的，立体、综合之比。它包括：
1、一条线上某个点的比例：这根线可以是纵向的。
2、面与面之间的比例；
3、黑、白、灰之间的比例；
4、色调冷暖、色块颜色之间的比例；
5、光线明暗之比例；
6、……（没想好）
我们见过高手下围棋，开局第一颗棋子落上去�
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